摘要：声乐表演技巧是确保声乐表演顺利完成的重要因素。声乐是音乐艺术的主要表现方式，在进行表演的时候，表演者必须要通过强烈的感情表演、自身和作品进行有效结合来感动欣赏者，引发欣赏者和表演者的共鸣。声乐表演是关于音乐作品的又一次创作，其中包含作品的内在审美、特色，表演者关于作品的理解、感受等，具体进行声乐艺术实践的时候，必须将不同的因素进行有效的融合，使得音乐作品可以进一步得到发展；但是这些目标的完成是与相应的表演技巧息息相关的。表演技巧在声乐艺术实践的过程中有着重要的作用与意义。 关键词：声乐艺术；实践；表演技巧 1在声乐艺术实践中表演技巧的要求 1.1真实 真实指的是声乐艺术表演的时候，演唱者需要正确地掌握与理解原作品，这样才可以很好地表现出演唱者的体会与理解分析水平，彰显表演者的较高艺术素养。在进行声乐表演练习时，演员必须揣摩并表现出丰富的情感，熟练掌握声乐作品的词曲与作者的思维。进行声乐艺术实践的时候，艺术作品里语调的起伏、语气的急缓、旋律的高低、举止的多样化均可以表现出来。如果可以完成合适的布局、精妙的词曲、有效结合肢体动作等内容，这非常有利于演唱者表演。 1.2想象力 在声乐艺术实践过程中对表演技巧进行艺术分析，会受到作曲家创作作品时心理状态的影响，还有创作者或者表演者的思维与感情，要进行有效的融合才可以真正理解表演技巧。声乐艺术实践的时候，需要表演者通过熟练的表演技巧来完成艺术想象。因而声乐演员的想象力十分重要，在表演中往往需要演员充分发挥想象力，将其想象中的情感更好地融入表演，从而进一步升华的丰富表演内容。演唱者通过充分的艺术想象，结合实践，把自身想象与艺术表演相互融合，真正表达出作家所需要的情感，向观众传达出作品的情感及内涵，达到完美的演出效果。 1.3时代性 声乐表演的技巧具有时代性特征，在一部分声乐艺术家看来，著名的艺术作品是可以跨越时间的，不过作品的演出方式会随着时代的进步而发生改变。声乐艺术能够重现历史和时代性，对表演技巧进行研究的时候历史和时代性都很重要。其中包含非常精巧的内部构造，还有很多声部配合，比如在莫扎特的时代，声乐艺术构造比较注重其连续性及逻辑性，而舒伯特的时代就比较重视自由创造，提倡在声乐表演中加入更丰富的情感。在时代的发展与更替中，声乐作品的表演方式和技巧也有极大的变化。对声乐作品与表演技巧做出时代性研究的时候，必须重视历史，把新的活力加入历史作品中，在作品里找到美的感受，与时代精神有效融合来促进艺术作品的进一步升华，进一步迎合时代需要，赋予声乐作品更具时代性的内涵，从而激发声乐表演者的艺术创造力与表达力。 2声乐艺术实践中表演技巧的培养策略 2.1注重自身情感的应用 声乐艺术表演者应将自己体会到的复杂人物情感融入作品中，也就是说表演者在演出时，要做到准确丰富的情感表达。这种情感并不是生搬硬套的，关系到表演时的情感体验传递。通常表演艺术者在表演时，都会有或大或小的心理压力，要弱化压力带来的负面影响，设身处地地体会人物感情，才能将自己代入角色，并实现作品所需要的情感表达。作为一名合格的声乐表演者，首先，要熟练掌握地演唱技巧，大部分的表演者在舞台上进行表演的时候，都会有很大的压力，这种情况下，他们经常就会忽略情感的展现。这个问题如果想要解决，就需要表演者在训练的时候下苦功，尽可能熟练地掌握演唱技巧。在进行声乐艺术表演的时候，表演者必须要灵活掌握表演技巧，在表演技巧得到保证的情况下，将更多的情感表达出来，表演者的演唱不仅需要唱功，也需要情感，这对于演唱者的考验是非常大的。其次，声乐作品是有灵魂的，表演者要深入了解作品，才能将情感准确地表达出来，准确掌握作者创作时的想法，结合自身体验，将个人情感融入演唱中去，促进作曲家、表演者与听众三方之间的情感交流。表演者要以原声乐作为重要基础，通过表演将自己的真实情感与作品作者之间的思想完美结合在一起，在声乐作品的表达中，通常遵循时代性的原则。无论是哪一个时代的声乐作品，都具有一定的历史背景，演奏者在表演过程中，可以结合作品自身的时代背景进行演绎，加深对作品创作者的理解，传递出在不同的历史背景下作品想要表达的情感，因此在声乐表演中，表演者需要与作品本身进行完美的融合。 2.2注重表演者角色的变换 在声乐艺术的实践过程中，需要表演者进行角色的转化，一般来说在戏剧或者影视方面，表演者所承担的角色是固定不变的，每一个表演者都有符合自己的定位和角色，但是在声乐作品中，并不是这样的，有的表演者一个人需要扮演多个角色，角色的分配具有很大的灵活性和变动性，角色与角色之间具有较强的兼容性［1~3］。在声乐表演中，声乐艺术作品开始之前，前奏中出现的表演者与他自身扮演的角色并不完全相同，前者主要是一个登台之初的演员，而后者则需要演员抛开自己表演的环境，将自身充分融入艺术作品角色中来进行演绎，不管是演唱者还是演奏者，表演效果都必须借助于表演者的情感抒发，使得声乐艺术作品塑造的角色与表演者的神情动作保持一致。 2.3注重表演中手势动作的培养 声乐艺术实践中，表演者不仅可以充分展示高湛的声音控制与技巧，还可以运用各种肢体语言为表演增色。如手势动作等肢体语言由于没有声带、口齿等传统语言器官的参与，又被看作一种外部语言。而在声乐表演中，外部语言是指演员利用四肢、整个身体等做出的能向观众传达某种情绪与意思表达的动作。在声乐表演中，由于舞台上聚集在演员身上的光束，观众即使坐在台下，也可以充分看到表演者的肢体动作及表情。因而，演员的表演应该是由内而外遍及全身的，手部动作等肢体语言的编排与练习也就极为重要。只有表演者的肢体语言与背景音乐、声乐表演和谐统 一、相互协调，才能得到更好的舞台效果，才能保证艺术作品情感的有效传达，才能使观众获得更好的观赏体验。反之，若演员不做手势动作或者肢体僵硬缺乏美感，不仅无法起到加强表演情绪的作用，还可能会影响演出的实际效果。在一场声乐演出中，演员可以使用多种类型的手势来为声乐表演锦上添花。其中，表演者较常使用的手势动作可以分为以下四种。指示性手势，目的是向观众表示方向与指令，或者指明位置；情绪性手势，是表演者传递并加强喜怒哀乐等情绪的辅助性动作；象征性手势，是为了深化情感表达，借助有力的手部动作体现出演员的激烈感情；模仿性手势，是指表演者通过模仿某种物体，借以向观众表达其意思的手势。 2.4注重面部表情的培养 声乐艺术的表演技巧包括肢体语言的培养、面部表情的把握和控制，这些都是演出中不可或缺的表演元素，对表演的整体效果与情感传达具有重要作用［4~6］。在声乐艺术作品的培养过程中，除了表演者需要较大幅度的肢体动作以外，面部表情的管理和应用也是表演者必须具备的技能，表演者可以通过微妙的面部表情，传递出肢体语言所不能表达的情感，增强整个声乐作品的感染力。表演者可以利用面部表情的变化来表现人物心理的变化以及各种情绪的有效表达，以此更好地传递出作品本身需要表达的情感，达到更好的表演效果。在实际的声乐艺术作品的演绎过程中，如果手势动作难以表达出人物的心理变化，可能面部表情更加有助于情感的传递，比如一个皱眉的表情，就可以传递出人物心情苦闷的特点，挑眉的面部表情可以传递出人物放浪不羁的性格特点，因此在实际的声乐表演过程中，表演者要更加注重面部的表情管理，让艺术的表达更加生动鲜活。 3结束语 在声乐表演过程中，我们要牢牢把握艺术表演的三＂性＂，即时代性、丰富性、真实性。声乐艺术的演出过程也是演员表演实力的检验过程，在实际的表演过程中，表演者要将面部表情、肢体动作、情感表达融为一体，针对不同的声乐作品，要准确地把握不同类型的声乐作品的特征，在表演过程中做到收放自如，此外，每一个声乐艺术作品的实践者都应该不断地学习，不断地弥补自己在表演方面的一些不足，要把声乐艺术作品表达得更加完美，如此一来，学习者就会更加注重磨炼自身表演技巧，也为更多优秀声乐艺术作品的诞生提供了基础条件及人才储备。 参考文献： ［1］庞忠海,王茜.声乐艺术实践中表演技巧的艺术探究［J］.黄河之声,2018 (2). ［2］张智群.声乐艺术实践中表演技巧的培养分析［J］.戏剧之家,2017 (2 2):79. ［3］秦北涛.声乐艺术实践中表演技巧的培养分析［J］.当代音乐,2017 (4):42~44. ［4］彭彦彦.浅谈声乐艺术实践中表演技巧的培养［J］.音乐时空,2015 (1 6):110~111. ［5］汪敏慧.浅谈声乐艺术实践中表演技巧的培养［J］.大众文艺,2012 (1 9):7.