拼不过故事，拼制作！一个明星的诞生提名奥斯卡摄影手记

　　第四次搬上大银幕的《一个明星的诞生》，由莱德利库珀担任编剧、导演及男主，并与LadyGaga亲自演唱片中所有歌曲，谱写出一段真挚动人的影像乐章。
　　为了摆脱歌舞片、音乐传记电影框架，本片找来了惊人的幕后制作团队，包含：《阿甘正传》编剧、《黑天鹅》摄影指导、《爱乐之城》的声音部门，采用了大量手持摄影拍摄，同期声录制演员及乐队演出，并通过脉冲响应（ImpulseResponse）的特殊混音手法，去忠实贴近音乐人眼、耳中的世界，呈现真实、宏大的爱情。
　　并且效果还真不错，这部电影在海外上映后，票房与口碑一路飘红，媒体综评达到88分，14家媒体打出满分，烂番茄新鲜度90，基本是2018年度口碑最佳的电影之一。并且奥斯卡拿到了8项提名，可谓名利双收。
　　当然，国内对于此片评价并不太好，但主要在故事方面，对于制作来说，也是承认其制作能力。其实主要是制作团队的实力强啊！本片的摄影也提名了奥斯克最佳摄影，它是怎么拍的呢？本期【ASC杂志专栏】将为你揭秘其幕后制作。如果你想观看免费中文版《美国摄影师杂志》，下载【影视工业网幕后英雄APP】即可阅读（官方授权）。
　　当摄影指导马修利巴提克正与长期合作的导演达伦阿伦诺夫斯基（DarrenAronofsky）拍摄《母亲！》时，这位导演带来了一些让他惊喜的消息。达伦说：‘布莱德利库珀想跟你谈谈《一个明星的诞生》。’摄影师利巴提克回忆道，原来，《母亲！》的主演大表姐和布莱德利合作过很多次，在得知他找摄影指导时，大表姐就推荐了我。
　　两人碰面后一拍即合。我确实早就有了一些想法，我们的摄影师对于这些想法也很感兴趣，导演库珀回忆道，当然（主要）拍摄地在洛杉矶可能是主要原因之一这样他就可以回家了。
　　摄影指导和导演
　　这部电影是演员库珀首次向导演转型。在他的《一个明星的诞生》之前，这个故事曾三次被搬上银幕：分别有1937年、1954年1976年的三个版本。而新的版本其实和之前的改动并不大，一位渐趋过气的音乐家爱上一名崭露头角的歌手。在这个版本中，前者是杰克逊缅因（JacksonMaine，库珀饰演），后者是创作型歌手艾丽（Ally，LadyGaga饰演）；艾丽一边想将杰克逊拉出深渊，一边也要提防自己坠入其中，他们的爱情绚烂美丽，可结局注定走向悲剧。
　　我们就之前的版本做过很多交流，也谈论过这部片子应在多大程度上借鉴它们。摄影师利巴提克解释说，哪些情节我们可以从1954年的版本借鉴，哪些又可以从1976年的版本借鉴，以及电影的主题是什么？关于成瘾？还是关于成为一位摇滚明星的心路历程？还是一个爱情故事？最后，导演认为，首先应该将本片的核心定位为爱情故事，其他部分都围绕这个核心点制造氛围。我也同意这一观点。
　　该片的视觉方面也参考了其他电影。比如马丁斯科塞斯执导的《纽约故事》中的《生命之课》，我想要探索的一些问题都在这部电影中得到了最好的解决，而且我喜欢片中运镜的方式，导演说，他们当时使用了移动摄影车，这在我们的拍摄场地无法实现但掌机斯科特坂本（P。ScottSakamoto）操作了一台斯坦尼康来充当移动摄影车使用。他真的太牛逼了，他能完全精准地复制出那种镜头的移动。
　　导演还特别参考了《最后的华尔兹》（1978年），作为演唱会片段的灵感来源。当然，摄影师和导演在准备阶段还看了他们能想到的音乐电影的片段，从《别假正经》到《天鹅绒金矿》。
　　拍摄演唱会场景时，摄制组的中心原则就是将舞台上的镜头锁定在杰克逊和艾丽身上。观众视角对我们其实并不重要，利巴提克断言，艾丽之前干着一份全职工作，在小俱乐部表演，而现在她与世界上最有名的音乐人之一同台演唱，因此所有的一切必须从人物主观视角出发，表现她经历的感受。我们从其他拍摄演唱会片段的电影中学到，一旦你站在观众视角，那么重点就转移到了舞台表现，对角色本身的感受就会削弱一些我们不想这样。
　　趁着导演为电影制作音乐的时机，摄影师带着一台摄影机去了导演家，想看看他在镜头中不同角度的样子，从而帮他找到视觉呈现风格。这里我们出现了很多创作灵感，摄影师利巴提克回忆说，导演家里有个红色的标志，在厨房旁边透射出一道红色的光，像极了电影里的一个标志，这是我们在舞台表演场景的用色灵感。事情就这么顺利地进行了我还拍了几个他的侧面镜头。我们后来看了这些素材，而那短短一天的拍摄，也让我们确定了处理这部电影的方式。
　　这种方式就是对每个场景的安排有明确想法，但同时给予对摄影机的摆放位置和呈现方式开放选择。主演游走在完全即兴创作与对影片风格的绝对掌控之间，摄影师利巴提克说，他对所有事都持开放态度，但同时又一丝不苟。他对拍摄通条不感兴趣。对他来说，把摄影机放在正确的位置比拍更多镜头重要。
　　摄影指导喜欢在不过分依赖特写镜头的情况下，让观众能与角色感同身受。在1976年那版中，导演似乎痴迷于特写镜头。而拍特写镜头时需要调整光线，所以当你切入一个特写镜头时，整个场景的感觉就变了。你会突然感觉到光的存在。我和导演更希望我们的版本能更自然和真实。
　　视觉呈现上，我希望影片一开始就围绕着主演杰克逊的世界展开，星途开始时，艾丽还只能依附在他的世界中，摄影师利巴提克继续说，后来，艾丽变得与杰克逊齐名，甚至超越他时，我希望用生动的色彩，建立出一种传奇的感觉。她在成千上万的观众面前表演，我想让这一幕像毒品一般绚丽。一切都很完美但接下来毒品的效果开始减弱，对于艾丽最后一场戏，我只想用白光。色彩代表她疯狂的摇滚人生，但白色代表着一种清醒。
　　同样，摄影师利巴提克也通过镜头的选择来传达角色的发展。我们使用的所有ArriAlexaMini摄影机上都装配了CookeiSFCamtecVintage系列变宽镜头和KowaCineProminar变宽镜头，他解释，Kowa定焦变形镜头用来拍摄布莱德利在台上的场景。我想利用光学瑕疵比如眩光、雾化，所有这些老镜头会出现的随机效果。我专门把这些镜头用在杰克逊缅因身上，让他所有的舞台画面都带有这种质感，甚至当艾丽开始伴唱，和杰克逊同台演出时，我也尽可能地继续用这些镜头拍摄杰克逊的特写，以营造一种艾丽正在进入他的世界的感觉。其他与演唱会无关的、更客观的部分的拍摄则用了Cooke变形镜头。当杰克逊事业开始滑坡时，我还是用Kowa镜头进行近景拍摄。而当影片开始叙述艾丽部分的故事时，她是主体，所以我几乎都在用Cooke镜头。
　　拍摄库珀时，利巴提克最喜欢用的器材之一就是ColorCon，他称其是内部自带LED的滤镜支架。我们在里面放置了一个（Tiffen的）Glimmerglass滤镜，可以调整光线实现图像雾化，或者制造低对比度的感觉。这有点像以前的胶片前闪效果。我在摄影棚内使用这种方式来展现杰克逊人生的衰落和困苦。
　　在艾丽要演唱一首名为《ArizonaSky》的歌时，利巴提克希望将她的光芒带到杰克逊的舞台上。之前，她一直存在于他的光芒之下，但从那一刻开始，她拥有了自己的光芒。他解释道，所以，我们得为她设计一个具体的‘光芒’。当时Arri还没有发布SkyPanelS360，所以我们把两个SkyPanelS60拼在一起。我们还做了一个八角形的嵌合型遮光罩安装在两个SkyPanel灯周围，因为我想要把重点放在艾丽而不是杰克逊身上让她能在属于她自己的灯光下凸显出来。在这之前，她只是存身于杰克逊背后乐队的灯光中。
　　SkyPanel灯和其他一些LED灯具是利巴提克和灯光师杰夫费雷罗（JeffFerrero）常用的灯具。即便在杰克逊的家里，用的也都是LED灯，所以我们可以在一个控制板上设置灯光强度，根据镜头的移动调节光线，摄影师利巴提克提到，即使在较小的场景中，我们也能完全掌控。
　　《周六夜现场》那场戏是在纽约实景地拍摄的，灯光师向他推荐了Astera的AX1PixelTube灯。在此后的拍摄中，他也一直在使用该设备。它们可以远程遥控，电池供电，无需接电，他解释说，我用了很多Astera的AX1PixelTube灯，也用了很多LiteGear的LED灯，像是LiteMat灯毯。
　　灯控台调光师埃里克安德洛维奇（EricAndrovich）补充说，在除演唱会之外的其他场景中，Arri的SkyPanelS60C灯是灯光师杰夫和摄影指导马修的首选。我们扥光是杰夫高效的关键就在于使用了无线DMX技术，即LumenRadio公司的CRMX无线照明产品。卡车上几乎所有的设备都可以用DMX控制，也都准备好连接DMX无线接收器了。也就是说，片场所有的灯光都可以通过灯光控制台来操作，从而可以快速改变灯光强度和颜色。摄影指导马修随时都能通过对讲系统与我和灯光师杰夫交流，这样他就可以在拍摄过程中进行小调整和精确灯光的变化。
　　对于几个大场面的演唱会镜头，演职人员必须在几分钟之内完成歌曲演唱的拍摄，因为他们是在真实音乐节现场演出中挤出时间来拍摄的，比如科切拉音乐节和Stagecoach音乐节。我们能否增加灯光完全取决于现场舞台，摄影指导解释道，科切拉音乐节的主舞台是一次‘做减法’的练习，而在这两个音乐节的一些小型舞台上，我们则可以运用一些特殊的器材来增强他们的设备，以达到我们想要的效果。我们还去了格拉斯顿伯里音乐节，但是在那里我们无权控制灯光。
　　在他们对灯光有控制权时，他继续说，我们得快速布光，在两首歌的间隙调整灯光。利巴提克指出，通常，我会从一个主镜头开始，以便了解光线落在哪里，但是在这里我们几乎拍不了什么全景如果有的话，也是从演员身后进行拍摄。
　　每次涉及到舞台或音乐的部分我都很紧张，因为灯光很容易变得无法控制。对每个场景我都会说，‘好吧，这里我最大的问题是什么？’然后围绕这个问题调整灯光。这样带来的好处是我们已经建立了一套视觉语言，在这个范围内我们可以即兴创作。我们可以在当天改变某些东西，然后将重点转移到另一些东西上，但整体风格依然是合理连贯的。
　　虽然在这些音乐节上拍摄了几首歌，但安德洛维奇指出：大部分的演唱会场景还是从零开始创作的，需要花费好几天来布景，也拍了很多天。摄制组尽可能努力地将演唱会的灯光设计在各个方面贴近现实。（我们就像真的在）设计一场面向观众的现场表演或演唱会，然后为此挑选并摆放灯光设备，他解释道，从这部分工作开始，我们将灯光分组：台下、台上、舞台左方、舞台右方。我会根据镜头位置调节灯光强度，保证演员能够处于合适的对比度下，同时避免出现摄影机的阴影。很多演唱会场景都是一镜到底拍摄的，很多时候我要同时盯着两三台，有时候是四台摄影机，以保持演员身上马修想要的明暗度，同时还要控制色彩变化和效果。他会在HME对讲系统上和我交流，所以他能直接在最后一秒对灯光进行调整。
　　安德洛维奇提到在大多数演唱会拍摄中，Martin的MacAura灯起到了很大作用。这种多功能LED灯具既能当染色灯又能当束光灯。在洛杉矶的希腊剧院拍摄的那场演唱会中，我们用了160多个MacAura灯。他说，你在演员身上看到的丰富、饱和的色彩就是它们的功劳。其他演唱会灯光则是依靠一些（飞利浦）VariLite聚光灯和染色灯，ArriSkyPanel，ClayPaky的Sharpy灯组和Ayrton的MagicPanelR灯来完成的马修在科切拉音乐节开始拍摄工作时看到了Ayrton的灯具，并且很喜欢它们的效果。我们还用了一对带有地面控制追光系统的PRGBadBoy移动聚光灯，调光师可以即时追光。
　　第一周的拍摄就在科切拉音乐节期间，安德洛维奇回忆道，那是我们最大的挑战之一，但是那里拍摄的几个场景也为影片中剩下的演唱会布光奠定了基调。当我们出现在夜间演唱会的拍摄场地MojaveTent时，却发现负责音乐节灯光装置的调光师不在。幸好，舞台技术人员很好说话，允许我们全权使用所有灯光设备以及其控制台。科切拉的每个舞台几乎都是这样灯光由GrandMA2灯光控制台控制，恰巧我使用的是相同的控制台。在拍摄开始前我有几个小时的时间去熟悉那里的设备，我调整了灯光程序，以切合马修想要的风格。最后一切都进行得很顺利，我们也成功地实现了马修的要求但事实上当时的情况很可能会出很糟糕的错误。
　　经历了在科切拉前几晚的拍摄，利巴提克和安德洛维奇对其他演唱会场景的视效安排做了一些调整。马修偏向对比色的简单变化，而不是华而不实的效果。安德洛维奇说，他把原色红和浅青色设为杰克逊表演的色彩主调。在电影后期艾丽的事业渐起时，我们就开始赋予她的表演一些独有的色彩，也增加了更多的灯光效果。
　　考虑到机动性，摄影指导利巴提克选择了AlexaMini摄影机。拍摄演唱会镜头时，摄制组平均会使用三台摄影机覆盖整个场景，拍摄特定镜头时还会再增设一台。所有摄影机都用ArriRaw格式录制。LadyGaga是现场演唱的，利巴提克说道，她拒绝对口型。其实我不想让她太累，因为每场拍摄她都会付出150的努力。她的第一场演出是杰克逊劝她走上舞台，我用了四台摄影机，以便可以交替使用。我不想把它搞砸，虽然我们对需要拍摄的内容十分明确，但我想让摄影机最好准备，随时可以更换拍摄方式。我不想错过LadyGaga的任何瞬间。
　　这部电影制作的现实情况就是这样利巴提克和库珀等剧组成员发现他们每个人都身兼数职。布莱德利既是导演，又当演员，同时还要考虑影片风格和其他各种事，摄影指导坦言道，虽然我负责演唱会场景大多数手持镜头的拍摄，但在其他故事情节叙述部分，我则要坐下来观看所有摄影机，以便替导演监管一切。我希望成为他在片场的伙伴，担起所有他想让我承担的责任。他曾问过我，‘你能留心一下，看看我的声音有没有变化吗？’这对一个摄影指导来说其实是个古怪的要求，但他正在进入角色的声音，不想出戏。可能有一两次我对他说，‘我觉得这个声音有点像你自己的声音。’然后他就会重新再尝试另一个，确保自己的声音听起来像杰克逊。
　　这其实也是一种解放。他继续说，因为我没有像往常那样注意光线和构图。如果我因为要帮布莱德利注意一些东西而没有在管灯光和构图时，那么其他人就会帮我负责一些东西。和熟悉的人一起工作让我很受益，我得到了很多支持，所以可以把关注点延伸到其他事情上。
　　电影的调色是在Company3与高级调色师史蒂夫索南菲尔德（StefanSonnenfeld）一起完成的。导演很想让影片同现场拍摄时的效果一样，所以（最后调色阶段的）主要任务只是要保留原片视觉效果，无需改动太多。利巴提克说。
　　他还说，整个后期阶段，导演不遗余力地努力追求更好。我可能看过五个非常不一样的剪辑版本，因为他不停地在影片上下功夫。过了好一阵子，影片才最终完成了，就像《顶级大厨》节目里的一个情景一样‘时间到，该放下刀了！’他是个优秀的领导者，因为他鼓励我们每个人都开放思维。
　　我不希望在这个过程中留下任何没有解决的问题，导演说，我想要集思广益，每个人的意见都有价值。通过采用这样的方法，达成的结果就如他所说的一样，是同利巴提克和他团队的一次美好的合作。关于他们以及他们为这部电影做的一切，我简直有说不完的话。