舞台摄影浅探

　　摄影的种类有多种，常见的有人像摄影、静物摄影、艺术摄影、舞台摄影、商业摄影等等，虽然都是摄影，却又各有不同。由于工作原因，我最常接触的是舞台摄影，随着政府对文化惠民工作的大力推动，越来越多的舞台精品节目送到百姓的家门口，这让我在享受文化盛宴大餐的同时，也积累了越发丰富的舞台摄影经验。舞台摄影，它既是一个独立的、也是一个比较特殊的摄影门类:一是环境灯光照明的多变性，表现在光照强度变化大、光线弱和光照对比强烈，二是拍摄距离变化不大;三是拍摄点相对固定;四是要找好节目表演的关键情节点。所以说与别的摄影门类相比，舞台摄影具有不少特殊性，只有掌握一定的经验和技巧，才能够拍出好的舞台摄影作品。
　　一、工欲善其事，必先利其器
　　随着生活水平的提高，原来遥不可及的摄影器材也慢慢得到了普及。为了能拍摄到更好更高质量的作品，我们在摄影器材的选择上就显得尤为重要了，必须要有针对性。露天舞台光线充足，对相机素质的要求相对低一点。如果是夜间或者是室内剧场，这样的环境条件对于相机本身素质是一个考验，要尽量选择大品牌的数码单反相机，比如尼康、佳能和索尼，它们的高端型号相机在昏暗光线下表现很好，表现为快门反应迅速、对焦迅速、图像细腻、成像优秀。说到镜头，我们至少应该拥有14-24 tmn f/2.8G, 24-70tmn f/2.8G,70-200 tmn f/2.8G三只大光圈变焦镜头，这样就可以囊括全景、中景和特写的拍摄。除了相机和镜头，还有一个不可缺少的就是三脚架。也许有人会问了怎么不是闪光灯?闪光灯应避免使用，因为闪光灯会破坏舞台的氛围感，而利用三脚架可以使用慢速快门拍到稳定清晰的画面。所以三脚架在舞台摄影中是比闪光灯重要的，当然闪光灯也必须备有。
　　二、容易忽略的拍摄前准备
　　这个环节非常的重要，也是很多人会忽略掉的，就是拍摄前的准备。比如索取节目单、和演员沟通、最好可以观看彩排，了解演出的过程，这样就可以提前知道精彩环节和关键动作，就可以预先找到好的拍摄角度和地点，做到心中有数。
　　三、机位的摆放和角度的选择
　　要根据舞台高度和宽度作为参考，首先我们要观察舞台的情况，一般舞台都会高于观众席，但也有例外，所以我们还是要根据情况选择。其次我们应该选择一个距离比较适中的位置，而角度不能太正，但也不能太偏。理论上讲，其实在现场任意位置角度都可以拍摄到舞台，但是我们还是应该挑到一个最合适的位置为拍照打好基础。为什么要像上而说的那样选择呢，如果机位离得太近会产生仰视的拍摄角度，如果一直都是以这种角度拍摄，会让人不舒服;反之要是离得太远，光线便会降低减弱的厉害，导致曝光时间需要更长，快门速度更慢，也就越难拍得清晰。如果机位摆放过正，就经常会碰到话筒把人脸遮住的情况，这些都是我们要考虑到的。
　　四、测光和色温
　　舞台的灯光变化非常丰富，导致灯光的明暗交替和色温的变化非常大，所以测光和色温控制是舞台摄影的一个大重点。当舞台光比较均匀时，选择中央重点测光即可，但如果光线反差很大，比如独舞、独唱有追光的情况下，可以采用点钡J光模式。也可试拍几张，再从显示屏查看拍摄效果如何，及时调整曝光补偿。色温在相机上体现为白平衡，白平衡就是相机对白色物体的还原程度。色温通常指环境光源色的冷和暖。最便捷的是使用相机的自动白平衡，操作简单，不过得出的结果不一定准，如果后期再去对白平衡做一个修正，会对画质有一定的损伤。比较推荐的还是根据舞台环境色自主进行调节，我们可以通过观察舞台光源的冷暖，来提高或者降低白平衡以得到更准确的色彩。调节白平衡对于色温的冷暖感知还需要自己在多多实践中摸索和吸取经验，如能合理运用好白平衡，那作品会更加富有表现力。
　　五、正确曝光
　　简单来说就是控制好光圈和快门的关系。只有光圈与快的密切配合，才能拍出曝光准确、成像清晰、细节精致和层次丰富的照片。正确曝光说是简单，其实也是最难的。说它最难是因为曝光直接决定了照片的质量，他人第一眼看你的作品时，首先感觉的就是画面的明暗，就是所说的曝光是否准确，如果曝光失败导致画面过亮或是过暗，观众也不会继续去注意画面内容、构图、细节等其它部分了。
　　六、按下快门前的细心观察
　　在舞台摄影中，拍摄对象和题材也显得非常重要。比如舞蹈是以形体动作来抒发人物情感的，而不同种类的舞蹈动作又各具特色，比如说踢踏舞的踞脚踢踏动作;蒙占舞的甩肩和双摆手动作;芭蕾舞的脚尖动作。在拍摄集体舞蹈时，要留意点，这些点都是舞蹈编导用来设计优美动作和造型的点，抓好这些点和舞蹈的开始和结束动作，一定可以得到优美的画面。还有在拍摄旋转、跳跃、翻筋斗之类的大幅度动作时，一定要抓好动作最优美的时刻，比如跳跃时最伸展的那一刻，翻筋斗最高或是躯体弯曲最协调的那一刻，以使拍出的画面更富冲击力。在抓拍特写时要特别留意五官端正、表情丰富的演员。如拍摄戏曲，要区分不同剧种不同特点，有京剧、豫剧、粤剧、昆剧、川剧、沪剧和越剧等，不同角色有各自不同的衣服、不同的动作特点，不同角色往往连站立走路也是不一样的。要特别留意戏曲演员手的动作、眼神的变化、步伐的节奏和唱腔。拍摄的同时也要认真留意听伴奏锣鼓的节奏变化，有助于判断表演的高潮何时到来。还有在拍摄歌手或者是音乐演奏会时，要多留意歌手演唱或者演奏家演奏到高潮时动作表情的变化。
　　七、不容有失的抓拍
　　很多时候，我们需要抓拍舞台上的精彩瞬间。在抓拍的时候我们不会再有时间去思考怎么调节光圈和快门等各项数值，这时可以使用光圈优先或者快门优先模式，如果怕错过了必须拍好的场景也可以采用连拍功能，以增加成功率。我们要学会耐心等待，等待着舞台上的精彩瞬间，也要学会对精彩瞬间有一个预判，在精彩一刻来临时能出现在预定位置按下快门。还有精彩瞬间并不是盲目乱拍，拍到哪张算哪张，而是精心挑选的结果。如果没有艺术底蕴和摄影技术支撑，要碰巧抓拍到高水准作品也是不太可能的。
　　八、快门一刹，台下十年
　　台上一分钟，台下十年功。想成功必须付出极大的努力，行行业业如此，舞台摄影如此。一个能拍出大量优秀作品的摄影师背后藏有多少汗水只有自己清楚，不但要能灵活使用相关摄影器材，还必须熟识摄影以至舞台摄影的全部技巧，能够掌握构图、光线、色彩构成和心理学等等。除了前期，还要能熟练操作图片处理软件，掌握图片后期处理技术。
　　总之，所有这些都不是一朝一夕能达成的，这需要我们在积累经验的同时不断提高自身的艺术修养和底蕴，由量变到质变。舞台摄影既简单又复杂，学会使用相机也就三五分钟的事情，再经过多年的实践和摸索就可以拍出很精彩的作品。之所以说它也复杂，是因为舞台摄影并非只是机械式的拍摄，如何创新应用于舞台摄影才是我们需要多多动脑思考和学习的。放眼世界，不管是哪个领域，创新与发展都是永恒的主题。从最早的摄影到现在，巨大的进步是有目共睹的，而从单一到现在的百花齐放，新流派的产生都是大胆尝试和勇于创新的结果。摄影同其他所有艺术门类一样，需要无比境的探索和创新，只有在不断探索、不断实践、不断学习和不断大胆创新的前提下，才能拍摄出更完美的舞台摄影作品。