“云音乐节”启示录：没有现场，音乐将是一场错误

　　近期，各种“云XX”如雨后春笋般油然而生，比如本文提到的“云音乐节”在直播平台放送音乐人的现场视频。不过，失去人潮拥挤、灯光音效、音乐人本尊到场的“云音乐节”真的会有趣吗？
　　2月10日，音乐节RSS主办的2020卧室POGO云音乐节全程结束后，主办方给出了这样的总结：
　　“去现场才是对乐队最好的支持，也是乐迷最好的选择，现场见！”
　　1月29日，音乐节RSS采用了“B站直播朋友圈微信群”分享的形式，举办了2020年的第一场卧室POGO线上云音乐节，在这之前，音乐节RSS是一个专注于汇总音乐现场的资讯平台。
　　最早的一批云音乐节，都是类似POGO云音乐节这样，乐迷团体自发性的活动。这些活动是由一些服务、面向乐迷间的小团体、小平台，通过乐队授权、乐迷提供现场视频的组织形式，在直播平台放送。
　　其后，线上云互动的形式也吸引了直播平台、音乐厂牌等更多参与方：
　　LOOK直播（网易云音乐旗下）推出的以音乐人直播为主的“云村卧室音乐节”；
　　摩登天空联合70余组音乐人推出的以音乐人录制视频和2019草莓音乐节演出现场回放的“宅草莓不是音乐节”。
　　相对最早一批乐迷团体自发性的云音乐节，音乐厂牌、音乐实体场所推动的云音乐节是“线上演出”的市场需求增加后，音乐产业端的主动调整。
　　这些主办方可以调动包括演出场所、音乐人团体、平台流量等资源，因而受众范围更广、形式更多样、流量效益更强。
　　摩登天空在2月4日2月8日5日间的“宅草莓不是音乐节”累计观看人次超过100万，单日最高在线人数49万，单日最高弹幕接近10万条；另一边，上海夜店TAXX在抖音的直播“打碟”，最高在线人数7。1万，打赏总收入72。85万。
　　既有流量，又有收入，线上音乐演出颇有一种百花齐放的景气感，但在乐迷、音乐厂牌组织的各种云音乐节之后，线上演出已经进入了流量平台主导的，以“增长”为直接目的的第二阶段：
　　抖音联合TAXX、LINX等夜店开启“云蹦迪”模式；
　　快手与太合合作举办“云趴音乐周”；
　　斗鱼上线“云蹦迪”音乐节；
　　淘宝直播在情人节当天举办“214不见面音乐会”；
　　微博发起有我陪你线上音乐节
　　2月21日，摩登天空宣布与今日头条、西瓜视频联合主办的“宅草莓”将在2月22日到28日播出，会有80余组音乐人在2018年2019年间的线下草莓音乐节的现场视频播出。
　　这些云音乐节本质上和当下各种看起来八竿子打不着的平台都在做的“预约抢限量口罩”的活动并无二致，实际上是平台方迎合当下热点的短线增长策略。
　　看似热度不错的云蹦迪、云音乐节，能够成为独立的演出模式吗？对音乐产业，尤其是现场音乐，在线演出会带来哪些影响呢？
　　一、缺位的现场音乐
　　痛仰乐队主场高虎，在乐队自传中写道：“没有音乐，生活将是一场错误”。
　　这句话源出尼采，对于整个音乐产业而言，又可引申为“没有现场，音乐将是一场错误。”
　　现代音乐产业主要由录音、现场演出和音乐出版三个板块构成，在音乐版权、唱片业受到数字化冲击的当下，现场音乐是最后一块场域稳定且发展良好的产业板块。
　　受疫情影响，2020年已经有很多音乐演出被迫取消，2月初，有业内人士预测，今年9月之前不会再有大型演唱会了，包括演唱会、生日会、巡演以及综艺录制都会无限期推迟。
　　刘德华、陈奕迅、杨千嬅、李荣浩、蔡依林、李宗盛等艺人5月前的演唱会已经纷纷延期，或取消。
　　据中国演出行业协会近期的抽样不完全调查，2020年13月，全国已取消或延期的演出近2万场，直接票房损失已超过20亿元。
　　作为国内最大的独立音乐厂牌，摩登天空的最大的盈利来源就是线下音乐活动极其关联业务，沈黎晖在接受媒体采访时曾透露，在摩登天空的营收中，现场音乐的盘子在5亿元左右，占比最高。
　　他还算过这么一笔账：“《乐队的夏天》之前，新裤子每场40万，痛仰45万，中国一年有300个音乐节，唱够20场，年收入接近1000万；拿票房分成的Livehouse，一年演50场不在话下，如果每场200块钱一张票，1000个观众就是20万。”
　　除了大的音乐厂牌、知名乐队，国内还有为数众多的独立音乐人乐队，由于很少能从版权中获得收益，就更加依赖于音乐现场、周边产品等相关收入了。
　　放在整个音乐产业的角度看，现场音乐缺席造成的损失还不仅是厂牌、乐队在承受。
　　录音室、音乐酒吧、Livehouse、大型文化中心、票务公司、甚至是黄牛都在承受着音乐现场缺位的巨大损失。
　　公众号吴怼怼指出，由于场地有限、音乐人数量有限，下半年的固定档期往往已经排满，更有甚者排到明年，取消的演出很难补得回来，线下演出不太可能发生补偿性消费。
　　注：现场乐迷中流传甚广的表情
　　前文提到，云音乐节最开始就是由一小波核心的现场乐迷自组织、传播、参与的，因而它是疫情特殊情况下，作为音乐现场替代品出现的。
　　云音乐节在替代音乐现场上的现实情况如何呢？
　　鉴于酒吧、夜店等营业性场所的消费、蹦迪等需求更加突出，我们主要讨论以音乐体验为核心的音乐人演出形式。
　　目前冠以“云音乐节”名头的线上音乐演出，主要分为以LOOK直播、抖音直播为代表的秀场直播，以及录制视频、音乐现场回放两种主要形式。
　　前者的即时性、互动性突出，考验的是音乐人的镜头前表演能力，后者更加注重音乐人知名度、录制视频的质量。
　　音乐人通过平台直播演出，乐迷通过弹幕、评论、打赏等互动，借由互联网直播平台，线上演出似乎在即时、互动两个层面上都是与音乐现场靠近的，但实际上大相径庭。
　　云音乐节确实满足了一部分乐迷线上看演出的需求，但也有不少问题，一些现场乐迷的体验描述是：直播卡顿、没气氛、容易腻、会走神、音质差
　　这些比较差的体验，有技术问题，也有活动筹备过于仓促的原因。
　　有乐迷认为如果是独家、重新自制的视频或节目就会更好了，但这样的指向其实正是综艺。
　　近些年，民谣、嘻哈、摇滚的次第爆火正源于综艺节目的推力。
　　并且，综艺推动的音乐流派走红，是一种扩大受众范围、形成社会议题、带动现场演出、推火音乐人的系统影响。
　　去年7月底的一场活动中，沈黎晖透露《乐队的夏天》播出后，新裤子的出场费涨了12。当然商演没有涨价、甚至降价的乐队也存在。
　　大众传媒的“一夜成名”神话依然奏效，依托于成熟的策划、录制、宣传体系，综艺能给音乐产业带来的利好是线上演出远远不及的。
　　这也是精明的沈黎晖同意协调签约音乐人免出场费参加《乐队的夏天》录制的重要原因。
　　回头再看“云音乐节”这种现象，它缺乏优秀的策划与执行、没有长久的市场需求、经济效益欠佳，能够持续做下去的动力是什么呢？
　　无法回溯到产业逻辑的新现象，都无法沉淀为产业创新，“云音乐节”较之现场音乐也是如此。
　　二、理解差异：现场音乐的文化场域
　　“live还是要人挤人的感觉。”一位现场乐迷这么说。
　　使现场音乐无法缺席的，除了它对音乐产业的重要性，还在于现场音乐独特的文化场域。
　　布迪厄提出的场域理论，是一种反思社会学的分析模式，能够解释文化惯习的差异形成的群体区隔。
　　布迪厄认为：“在高度分化的社会里，社会世界是由大量具有相对自主性的社会小世界构成的，这些社会小世界就是具有自身逻辑和必然性的客观关系的空间。”
　　所谓的“相对自主性的社会小世界”就是场域，可以通俗理解为“物以类聚，人以群分”，场域理论具体包括三大概念，场域、资本、惯习。
　　场域是一种具有独特性的社会场所，场域内的行动者都有自我的行为框架与游戏规则。
　　音乐现场中，演出乐手在舞台上激情表演，合着鼓声的心跳中，舞台下的乐迷们点踩着节拍的脚步，恣意舞动着金属礼，刺激的“跳水”，欢乐的“开火车”所有现场行为的集合共同构成了现场音乐的场域。
　　更为重要的一点是，音乐现场的体验，其实在于表演者与乐迷，可以进行同时同地的现场互动。
　　在音乐节的演出现场，舞台的两侧一般会有两个屏幕，主要展示着舞台上的乐队演出，也会时不时将镜头对准观众们，形成现场屏幕中乐队、观众的互动，这也是一种音乐现场氛围。
　　场域中的“资本”，包括经济性、文化性、社会性的资本，在场域中的资本差异，决定着参与者处于什么样的地位。
　　比如，在音乐节、Livehouse现场，能够抢占前排、更熟悉演出乐队及其作品、乐于参与互动游戏的观众，就掌握着这个场域中更多的资本，他她所能获得的体验感是更加丰富而强烈的。
　　布迪厄所说的“惯习”是一种结构性的、系统的秩序，惯习既反映了一种群体成员长期、共同形成的高度一致、稳定的品味、信仰和习惯的总和，是区别于其他场域的重要特征。
　　在现场音乐中，乐手的乐器solo、蹦跳、“跳水”、演出尾声乐迷喊“Encore”（返场再唱）等，都是现场音乐的惯习表现。
　　2020年1月1日晚，嫣然天使基金举办了新年派对，新裤子乐队演出时，身着白T恤的王菲跟着节奏有力的摇摆着身体。王菲所展示的，正是很多现场音乐观众，受现场气氛感染的惯习反应。
　　线上演出与现场音乐的场域区隔非常大，由此造成的体验区隔也是非常突出的。
　　另一个方面，线上演出的形式是否真的适合音乐行业，也要看其是否能够形成线上演出的独特场域。
　　国内的秀场直播已经发展了十几年，唱歌这种形式几乎贯穿了全程的发展，但由秀场走向音乐行业，成为专业音乐人的案例并不存在，某种程度上，这依然是文化场域的区隔。
　　秀场主播的圈子拥有自成体系的惯习，不是很注重音乐专业性、专业训练缺乏、很难接触音乐的制作与发行，使得他们很难走上专业化的音乐道路。
　　本质上，直播只是一种工具，它所构建的场域决定于屏幕两端的传受主体的既有身份如何，以及直播平台的场域特性。
　　类比到短视频平台，微视、抖音都是短视频产品，从形式看几乎是一样的，为何微视始终无法竞争过抖音呢？
　　除了抖音本身的算法优势，抖音本身与用户的场域构建也是极为成功的，这是“记录美好生活”的策略效果。
　　“拍抖音”的行为在用户生活中日常化后，用户就不仅仅是刷短视频停不下来，而是成为构建抖音场域的一部分，加深了用户的“不可自拔”。
　　看起来功能一样，形式相似的互联网产品，在发展的过程中，由于运营策略、用户特性、原生文化等要素的不断作用，总是会导致内在差异不断变大。
　　正如，刷抖音、玩快手，就是另一种文化场域的区隔了。
　　对于音乐人、音乐厂牌、乐迷而言，现场音乐都是一种更为核心向、关乎消费的音乐产业构成。
　　这就延伸出“云音乐节”、“在线演出”另一个无法忽视的问题，这种形式对名气不高的音乐人并不友好。
　　“直播两小时，人气不过千，互动不过百”这才是更多音乐人直播的常态，想要获得音乐现场那种核心乐迷就更难了。
　　从少有人问津的酒吧驻唱，到线下Livehouse的演出、巡演，再到大型巡回演唱会，这才是音乐人的现场进阶之路。
　　2月21日，大麦网发布最新数据，在全国超过800场被延期的演出中，平均66的观众没有退票选择了保留订单，其中头部演唱会的订单保留率为75。
　　以“MyLove刘德华巡回演唱会”为例，93的购票用户保留了延期观演的权利。
　　刘德华粉丝不退票支持演唱会
　　正如现场音乐的核心乐迷所称，“去现场才是对乐队最好的支持，也是乐迷最好的选择。”
　　三、社交媒体与音乐人
　　在相当长的一段时间里，线上演出是无法作为独立模式运作的。
　　云音乐节的喧嚣，引申出的关键在于，当代音乐人应当如何应对社交媒体？
　　社交媒体对音乐行业的影响终究不能忽视，对于数字时代的流行音乐，我有过这样的表述：
　　在数字音乐时代，随着网络制作与传播方式的多样化，音乐文化的圈层化与去圈层化（破圈）并存，是当下音乐作品传播的新样态。
　　当代音乐文化有一个重要变化，即与流行文化、传播形态的契合度往往决定着一种音乐风格、一个音乐人走向更大众市场的机会有多大。
　　对于音乐人而言，网络与社交媒体最大的作用在于能够连接自己、作品与乐迷，同时也是一种通向专业音乐道路的新通道，这在新生代音乐人身上体现的越来越明显。
　　刚过去不久的第62届格莱美奖颁奖典礼上，年仅18岁的碧梨（BillieEilish）拿下年度最佳专辑、最佳制作、最佳歌曲、最佳新人四大通类奖和最佳流行专辑。
　　2015年，碧梨将自己的翻唱歌曲上传到SoundCloud上，得到了环球音乐旗下新视镜唱片公司的关注，并于次年签约。
　　此后，碧梨的作品时常“霸榜”Spotify、AppleMusic等全球流媒体音乐平台。
　　作品的高播放量之外，碧梨在社交媒体的粉丝量也非常可观：Instagram5495万粉丝、Twitter376万粉丝，在网易云音乐也拥有258。4万粉丝。
　　碧梨的Instagram、微博、网易云音乐账户
　　在社交媒体时代，新生代音乐人走红的偶然性更强，这也成为音乐产业发掘新人的一个重要通道。
　　YouTube、TikTok、抖音、快手、bilibili等社交媒体与内容社区，都推出了自己的音乐人扶持计划，LilNasX、SuecoTheChild和Ambjaay等艺人都是通过TikTok走红，并且签约了大型唱片公司。
　　对音乐产业而言，善用社交媒体是一种“宣发革命”。正如大卫伊斯曼所言：当代音乐产业的行话里，创作并非指“写歌”，而是指让歌曲走红。
　　在社交媒体的环境下，“符号化”是流行现象非常明显的一个特点。
　　网络红人是最谙熟此道的：上古互联网时期的S型的芙蓉姐姐，“摩擦摩擦”的庞麦郎，“集美丽和才华于一身”的Papi酱，再到“一给窝里giaogiao”的giao哥、“你的报应就是我”的韩美娟、“郭言郭语”的郭老师
　　网络红人用最简单直接的动作、行为、语言的符号化，强化了自身在网络空间的辨识度。这种符号化的特点在音乐文化中同样存在：
　　比如一段流行的旋律，一节人人都会哼的副歌，再有以Nirvana主唱KurtCobain为代表的“砸吉他艺术”，TheWho吉他手petetownshend招牌的“大风车式”扫弦
　　此外，旋律单一、作曲基础、歌词空洞这种“口水歌”的流行，还是音乐符号化创作的一种表征。
　　社交媒体也带来了对音乐的碎片化消费，比如有人抱怨的“抖音毁了我最爱的歌”。
　　一首优秀的歌曲，是经得起反复听的，所谓“单曲循环，以示喜爱”，只是经不起重复听某一段、甚至某一句。
　　对音乐而言，这既促进了流行，也破坏了作品的整体性。
　　音乐的艺术本应通向一切，在音乐的整体性被消解后，碎片、粗糙、重复的“符号”，只能割裂出无意义的做作。
　　从很多层面上看，现场音乐才是音乐之源：最早的音乐自然都是现场音乐，现场演出本就是一种表演的创作；到了流行音乐发展的音乐产业时代，现场音乐更是表演者创作激情的来源。
　　上世纪六十年代到今天，鲍勃迪伦一直是现场音乐的践行者，他曾说如果台前没有观众，他就再也不会去录唱片了。
　　“对我而言，出唱片就是因为大家会来现场看我本人的演出。”
　　1986年，崔健在北京工人体育场的一首《一无所有》标志了中国摇滚乐时代的开始。
　　崔健一直信奉“音乐从现场开始”，多年来从未间断过摇滚乐现场演出。2002年，他发起了“真唱运动”，批评了当时音乐演出市场的假唱习气，对整个音乐行业影响极深。
　　时至今日，在数字化音乐时代，直播普及的当下，这种呼吁真实音乐、真实现场的声音更加不可缺少。
　　归根结底，当下的云音乐节、在线演出，是社交媒体的外延，而非音乐产业的外延。
　　参考资料
　　〔1〕走出音乐的沈黎晖：摩登天空的天地有多大？21世纪经济报道。2019。10。12
　　〔2〕你知道新裤子挣多少钱吗？听“奸商”沈黎晖盘盘摇滚这门生意，贵圈。2019。08。11
　　〔3〕2020，线上演出元年？吴怼怼。2020。02。18